Mixdown explica: mezclar una canción

Irónicamente, es muy difícil explicar cómo mezclar una canción. Lo que podemos hacer, sin embargo, es discutir una serie de principios que harán que tu mezcla de música llegue a un lugar mucho mejor cada vez.

La mezcla de música y su enrutamiento pueden volverse infinitamente complejos, las cadenas laterales que activan ciertos efectos tienen su propio impacto, mientras que los envíos pre y post-fader pueden permitirle realizar solos y silenciar pistas para descubrir de dónde proviene ese sonido. Todo esto está muy bien con una buena base, pero hay que construirla, además de asegurarse de estar en un buen lugar para tomar esas decisiones críticas. ¡Para hacer eso, necesitas estar organizado!

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Si bien esto puede parecer un paso avanzado, el objetivo es simple: deshazte de cualquier cosa que te impida concentrarte en la tarea en cuestión.

Las malas ediciones o las composiciones apresuradas pueden molestar tus oídos y afectar la forma en que escuchas el estado general del equilibrio de una mezcla. Asegúrese de que toda la edición esté terminada y de que pueda escucharla sin que se le ocurra nada importante.

Tener una plantilla lista para usar también es útil, ya que una vez que profundices en la mezcla de música, no querrás crear envíos, asignar entradas y crear auxiliares y buses para encontrar el sonido que estás buscando. Tener listos envíos, devoluciones y algunos efectos simples puede suponer un gran ahorro de tiempo y, al mismo tiempo, mantener tus oídos y tu mente frescos.

Mezclar es una extraña combinación de decisiones objetivas y subjetivas. Por ejemplo, una caja puede ser objetivamente demasiado ruidosa o silenciosa y eso se aplica a casi todos los géneros, pero el elemento subjetivo entra en juego al decidir qué tan brillante hacerlo, cuánto timbre dejar (o agregar), cuánto mucho golpe, ataque y distorsión para usar. Lo mismo ocurre con la voz y su valor, presencia, efectos y graves, etc.

Por esta razón, uno de los mejores lugares para comenzar una mezcla son los atenuadores. Lo que esto significa es que no uses ningún ecualizador, compresión o efectos hasta que tu mezcla suene bien cambiando solo el volumen de las pistas individuales. Te sorprenderá lo lejos que puedes llegar sin mucho más, y estarás construyendo una base realmente sólida para tu mezcla, además de revelar lentamente cualquier área problemática.

Generalmente puedes comenzar con todas las pistas en cero y decidir un balance general para un instrumento completo (es decir, toda la batería, todas las guitarras), antes de sumergirte en subir o bajar los micrófonos de tu habitación, un micrófono puntual en la caja, mezclar micrófonos amplificadores de bajo, etc.

¡Mantén este objetivo! Si bien el bombo hace clic y es directo en el metal, eso no significa que necesites un bombo ignorantemente ruidoso o una voz abiertamente presente para una pista pop, por ejemplo. Haga que este equilibrio inicial suene objetivamente bien y que se sienta lo más cohesivo y cercano posible a su producto terminado. Si bien este es un paso aparentemente simple, es la mayor parte del trabajo de mezclar la pista.

No dudes en rebotar esta mezcla inicial y utilizarla como referencia para mantener el rumbo. Cada paso debe mejorar con respecto al anterior, ¡y podrás mantenerte firme y encaminado de esta manera!

Ahora que tiene un saldo cercano a su objetivo final, comencemos a despejar algo de espacio quitando algunas cosas. Es tentador empezar a potenciar áreas con EQ, pero es una buena práctica empezar a borrar información antes de volver a agregarla.

Una buena práctica es comenzar con la compuerta (o cortando) el ruido que es un problema, o con una ecualización sustractiva. No queremos agregar ninguna frecuencia aquí, solo eliminar ruido, barro o áreas problemáticas que enmascaran otros instrumentos. Descubrirás que al realizar movimientos de ecualización sustractivos, despejarás espacio para que brillen otros elementos de la mezcla, similar a si los hubieras potenciado, ¡pero con más espacio libre!

Los filtros de paso alto son un excelente lugar para comenzar, especialmente en todo lo que no se ubica en el área de baja frecuencia. Una buena práctica es subir el filtro hasta que empieces a escuchar su efecto y luego ajustarlo al gusto. ¡De esta manera eliminarás cualquier información no deseada sin arruinar el sonido original!

Lo mismo ocurre con la entrada y la eliminación de ruidos. Los gates son excelentes para bombos y trampas, mientras que eliminar el ruido entre golpes en los timbales o cortar el silencio en las secciones donde las guitarras y el bajo se detienen por completo pueden ayudar a crear espacio.

Si bien las puertas se utilizan para crear un silencio total entre la apertura de la puerta, la expansión puede ser una forma realmente transparente de crear espacio y profundidad. Un expansor es similar a una puerta, pero el ruido de fondo no se reduce al silencio, sino que simplemente crea un resultado de sonido más dinámico pero natural. ¡Usa tus oídos! La compuerta a veces puede hacer que las fuentes se sientan inconexas y extrañas, mientras que la expansión puede tratarlas lo suficiente como para eliminar el lodo sin arruinar la integridad del sonido inicial.

En este punto deberías tener una versión más dinámica y profunda de tu saldo inicial. Debería haber menos ruido y barro, y más espacio para que cada fuente se ubique en su propio espacio dentro del campo estéreo.

En este punto, tendrá una idea bastante clara de qué fuentes podrían necesitar ayuda para sonar estables o estáticas. Las interpretaciones dinámicas pueden estar bien equilibradas para la mayor parte de la canción, pero no para otras, y en este punto puedes usar la compresión para nivelarlas, en lugar de agregar peso, tamaño y presencia.

La compresión sutil es buena aquí, y si descubre que necesita hacer demasiada compresión, ¡la ganancia de clip puede ayudar aquí! Cortar y girar ciertas secciones (a diferencia de la automatización) puede ser una solución de sonido más fácil y transparente que comprimir o limitar.

Es cierto que estos dos pasos siguientes son intercambiables, pero es bueno separarlos. Puede pasar al ecualizador aditivo, compresión, efectos o agregar espacio y profundidad con reverberaciones y retrasos.

¡Agregar espacio y profundidad no significa enormes paredes de reverberación moduladora! Estamos ampliando la profundidad y la amplitud de nuestro equilibrio con retrasos y reverberación.

Los retardos cortos y de retroceso pueden dar la impresión de que un sonido aparece en la mezcla, mientras que las reverberaciones oscuras y espaciosas pueden empujar algo hacia atrás físicamente (por poder, empujando todo lo demás hacia adelante).

Los sonidos de sala cortos son excelentes para la batería, ya que hacen que todo se sienta más cohesivo, pulido y orgánico, mientras que una reverberación de duración media (¡el resorte funciona muy bien aquí para guitarras y bajos!) puede ser excelente para colocar físicamente el bajo y las guitarras detrás de la voz, pero en frente a tus tambores. ¡Es una buena práctica pasar estos efectos a medida que los agregas también! Por esta razón, los envíos auxiliares son tus amigos ya que tienes más control.

Ahora que hemos agregado algo de ancho y profundidad, podemos elevarlo aún más con compresión y un poco de ecualización.

Una fuente brillante se sentirá más adelante, mientras que las fuentes oscuras (con sus altas frecuencias atenuadas) se sentirán un poco más atrás. Puedes iluminar un solo de voz principal, caja o guitarra para que se sienta físicamente frente al resto de la banda.

La compresión también se puede utilizar para agregar profundidad, utilizando un tiempo de liberación corto. La liberación rápida de un compresor hace que el sonido esté más presente y puede aumentar aún más esta profundidad. En este punto podemos comenzar a agregar efectos más intensos como ecualización aditiva, saturación, etc., ya que tendremos un buen punto de apoyo en el equilibrio general de la mezcla.

Aquí es donde la mezcla de música se vuelve subjetiva, es decir, resaltando los graves exagerados de la caja, el 'clic' de un bombo, distorsionando una voz, guitarras recortadas, usando el efecto Haas, etc. Comprender su equilibrio inicial tendrá un efecto mucho mejor en este punto. ¡Usar efectos para aumentar y elevar en lugar de "arreglarlos"!

¡Este es uno interesante! En términos generales, gran parte de la mezcla musical tendrá algún elemento de compresión o atenuación en el bus maestro. Esto puede ser para hacer que todo encaje mejor, pero la saturación de la cinta tiene el mismo efecto que la cinta se atenúa y se "pega" de forma muy parecida a como lo haría un compresor. ¡Prueba ambos y haz lo que te pida la mezcla!

Algunas mezcladoras mezclan con un enfoque "de arriba hacia abajo" y comienzan con este paso. ¡Pruébalo tú mismo mezclando tu propia música! Saber que una mezcla estará comprimida y limitada al final de todos modos a menudo hace que las personas quieran mezclar a través del compresor, tomar decisiones a lo largo del camino informadas por esa compresión les ayuda a lograr los resultados deseados más rápido.

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